Los mejores planes culturales para este fin de semana

Después de toda una vida en escena, Carles Sans se enfrenta por primera vez a un camerino –y un escenario– vacío. La despedida de Tricicle le ha animado a romper su silencio y seguir haciendo humor con otros códigos. En '¡Por fin solo!' afronta «un reto ilusionante», un monólogo en el que repasa las anécdotas de los 38 años de trayectoria de la compañía y sus vivencias personales; desde la primera vez que sus padres le vieron actuar con Joan y Paco en un café teatro de Barcelona hasta los desaguisados que ha provocado su pánico a volar. Sabe bien que cada carcajada del público, cada aplauso, es «como una pepita de oro que hay que cuidar». En los minutos previos a la función «no hay veteranía que valga» para esquivar los nervios, pero después de noventa minutos se queda con ganas de contar más cosas. Esa comunión con el público, la oportunidad de disfrutar de sus gestos y descubrir su voz, la vivirá este fin de semana en Bilbao, en el Teatro Campos Elíseos.

Este fin de semana, en Barakaldo, tenemos otra oportunidad de ver 'El viaje a ninguna parte', la coproducción del Arriaga y el centro cultural Fernán Gómez que tanto ha conectado con el público en Bizkaia y en Madrid. La obra rinde un sentido homenaje al oficio con la mirada y el lenguaje de Fernando Fernán Gómez, «un cómico, hijo de cómicos, criado entre cómicos. Sabe de qué habla y cómo habla», recuerda el director, Ramón Barea, que también interpreta al patriarca de los Galván, una compañía ambulante que va y viene con todo su oficio en las maletas por la España de la posguerra. Itziar Lazkano, Patxo Telleria, Mikel Losada, Irene Bau, Aiora Sedano, Diego Pérez y Adrián García de los Ojos, autor también de la música, dan vida al resto de la familia en este clásico cercano, una apuesta segura para todo tipo de espectadores. Con escenografía de Jose Ibarrola, el montaje cuida los detalles y depara momentos divertidos y emocionantes.

La nueva producción propia de Pabellón 6 se basa en una historia real que conmocionó al país en 1933. Hildegart Rodríguez Carballeira, escritora y activista, fue asesinada por su madre. Aurora Rodríguez Carballeira, defensora de las más modernas corrientes de pensamiento, la había concebido como «modelo de mujer del futuro», planificando cuidadosamente cada detalle. Así nació una niña prodigio que murió a los 18 años, sin llegar a disfrutar de la independencia que encarnaba y defendía. Esta producción indaga en ambas figuras y se pregunta si la historia ha sido justa con ellas. Dirigida por Carmen San Esteban con ayuda de Lucia Lasarte, también responsable de las coreografías, está protagonizada por Nerea Elizalde, Josu Angulo y Sandra Tejero. Estará en cartel todos los fines de semana de octubre.

«¿Qué sucede cuando sentimos lo que no se debe sentir, lo que no se puede sentir?», se pregunta Juan Carlos Rubio, autor y director de 'La isla'. La obra que llega esta semana a Ermua mira de frente al dolor a través de la historia de Ada y Laura, una pareja que se enfrenta a una situación desgarradora. «La sociedad nos ha ido domesticando a la hora de expresar el dolor, aleccionándonos para cumplir con lo políticamente correcto, para asumir el papel que nos han escrito las normas de convivencia incluso durante las más terribles desgracias», dice Rubio. Pero esta intensa obra interpretada por Gemma Matarranz y Marta Megías toma un camino diferente.

La compañía Trastapillada ha adaptado uno de los libros más conocidos del autor y pedagogo italiano Gianni Rodari (1920-1980), 'Cuentos por teléfono'. El hilo conductor de los relatos es el personaje de una madre trabajadora, reportera de viajes, que por las noches llama a su hija por teléfono. Le describe los países que visita en cuentos en los que el autor plasmó su visión de la vida. La Sala Cúpula del Campos nos acerca este fin de semana una pieza de teatro familiar protagonizada por Natalia Erice, que participó en el festival Teatralia y tiene un amplio recorrido.

La música puede ser densa, conmovedora. O rítmica, danzante. O violenta. Lírica hasta el extremo o espiritual. Puede conmover o elevar. Conducir a la lágrima o al entusiasmo. O puede ser ligera como una pluma y llevar a la esperanza, parafraseando uno de los más famosos poemas de Emily Dickinson: «La esperanza es eso con plumas/ que se posa en el alma/ y canta la melodía sin palabras/ que nunca cesa –nunca–».

Pues bien, el programa de la Filarmónica para el día 27 es un elogio de la ligereza que debe conducir a que los aficionados salgan de la sala con esperanza. Con esperanza en la fuerza de la vida y en el valor del arte. En los atriles, obras de dos compositores que coincidieron en el tiempo e incluso en los escenarios: Vicente Martín y Soler y Wolfgang Amadeus Mozart. A estas alturas puede sorprender que el primero tuviera más éxito que el segundo. Pero así fue. Un dato: 'Una cosa rara' del valenciano y 'Las bodas de Fígaro' se estrenaron en Viena con pocos meses de diferencia. De la ópera del salzburgués, hoy uno de los títulos esenciales del repertorio, se hicieron solo dos funciones. De la de Martín y Soler, casi 80.

El grupo Moonwinds aborda una transcripción (para vientos, claro) de la obra de Martín y Soler, de quien además añade un Divertimento, junto a dos serenatas de Mozart. La segunda de ellas, con la que se cierra el programa, es una obra más importante de lo que el género hace presagiar. Pero también volará ligera sobre la sala de Marqués del Puerto.

Tras año y medio de parón, vuelve este sábado la ópera escenificada al Euskalduna. La ABAO arranca la temporada con visos de normalidad, salvo el detalle de las mascarillas, con un título de empaque. Una producción de 'Los cuentos de Hoffmann', de Jacques Offenbach, siempre despierta expectación entre los aficionados. El montaje viene de la Ópera Nacional de Burdeos y la dirección de escena no escatima monumentalidad y glamour. La firma el francés Vincent Huguet, colaborador en su día de Patrice Chéreau. La potencia visual servirá para dar lustre a la música, que defenderá la Orquesta Sinfónica de Bilbao en el foso, bajo la dirección de Carlo Montanaro.

'Los cuentos de Hoffmann' dura más de tres horas y media, no da tregua y exige un elenco fiable. En Bilbao sentó cátedra Alfredo Kraus en el papel principal, allá por 1987, y ahora será el turno de Michael Fabiano. Evidentemente son voces y personalidades muy distintas, pero en la diversidad está el gusto. El tenor de Nueva Jersey es un artista de rompe y rasga que se mantiene fiel a sí mismo. No busca parecerse a nadie. Ahora afronta con entusiasmo el rol de poeta dipsómano que sufre de amores y paranoia. El pobre piensa que el demonio le hace la vida imposible. Una locura. ¿O quizás sea verdad? Ahí queda la duda.

Sea como fuere, el objeto de sus deseos se hará carne y voz en la persona de la soprano Jessica Pratt que asumirá tres roles (Olympia, Antonia y Giuletta), además del papel de Stella, que casi no abre la boca. Una proeza que también afrontará el bajo barítono Simón Orfila, al encarnar a los cuatro villanos (Lindorf, Coppelius, Miracle y Dapertutto). Eso sí, en este montaje el malo-malísimo es más donjuanesco que luciferino. Se apuesta por el realismo y no tanto por la fantasmagoría, pese a que el libreto se inspira en relatos de E. T. A. Hoffmann, uno de los autores favoritos de Poe y Kafka. Se supone que las licencias en la dirección de escena pretenden sintonizar con el público del siglo XXI.

La versión musical que se interpretará es la edición de Michael Kaye y Jean-Christophe Keck, una de tantas de una ópera que Offenbach no llegó a terminar. Falleció en plenos ensayos. El estreno parisino en 1881 fue un éxito rotundo y en el siglo XXI sigue rondando por los escenarios de medio mundo. Es una obra maestra.

Albert Boadella está más volcado que nunca en la música. Le interesa ahondar en las emociones y para eso nada mejor que la ópera. Muy conocido por su vena irónica y hasta corrosiva, ahora apuesta por la tragedia con 'Diva', un montaje que llega este sábado al Teatro Arriaga. Se trata de una libre recreación del final de Maria Callas, sola en su apartamento de París, empeñada en retomar la actividad como cantante.

Para poner en escena esta ficción, ha contado con la complicidad de la soprano madrileña María Rey-Joly y del tenor catalán Antoni Comas. Ella se mete en la piel de la cantante, mientras que él alterna el papel de pianista repertorista con el de Onassis. Hay una relación muy estrecha entre los personajes, cargada de ilusión y amargura. Desde el principio se intuye un desenlace fatal, pero con la figura de Callas, aunque todo sea ficción, se logra mantener el interés hasta el final.

El montaje dura 90 minutos y no faltan arias completas o fragmentos de óperas como 'Tosca', 'Il Trovatore', 'Otello', 'Dido y Eneas', 'La Traviata', 'Manon Lescaut, 'Norma', 'Andrea Chénier', 'Madama Butterfly, 'La Wally'...Todas la piezas, con acompañamiento orquestal previamente grabado por la Real Filharmonía de Galicia, se ofrecen en directo. Ambos intérpretes conocen muy bien a Boadella y se sienten cómodos bajo su dirección escénica. En 2019 ganaron el Premio Max al mejor espectáculo musical por 'The Opera Locos' y también se han puesto a sus órdenes en producciones como '¿Y si nos enamoramos de Scarpia?' y 'Pimiento Verdi'.

«Albert es un gran conocedor del género lírico. Se documenta muchísimo y los que aprendemos somos nosotros, de verdad lo digo», subraya Rey-Joly, una profesional que acaba de cantar el rol de la Reina de la Noche en Oviedo. En su caso tener la oportunidad de explotar la faceta de actriz y crecer como artista es el aliciente principal para involucrarse en los proyectos de Boadella. Lo mismo le sucede a Comas, un tenor que debutó a los 23 años en 'Hérodiade' y terminó adentrándose en el repertorio contemporáneo, sin dejar de cultivar sus habilidades como pianista. Amor por la ópera (y por la Callas) no falta en este proyecto.

Seguimos bien, con cartelera llena de espectáculos de danza, o en este caso habrá que decir que relacionados con el movimiento y la coreografía. Es lo que tiene la programación del festival BAD, que no se puede definir con una sola palabra lo que viene. Por ejemplo, esta tarde en La Fundición actúan Isaak Erdoiza y Nazario Diaz. Decir que 'Fuego verde' es danza se queda un poco corto, así que lo han llamado también experimentación sonora. Y tiene mucho de experimento, para ellos y sobre todo para los espectadores: qué pasa cuando entre lo que se oye y lo que se ve hay una ruptura, cómo se tambalea lo que creemos que vemos y oímos y percibimos en general. El domingo, el día en el que termina el festival, hay otro espectáculo, el de Cielo raso en Harrobia. Se llama 'Piedra' y podría calificarse de más tradicional. La piedra como metáfora de la resistencia sirve para exponer, a base de repeticiones de movimientos, de movimientos ritualizados casi, la vida, desde el dolor a la alegría.

Hay mucho de coreografía en la propuesta que llega mañana al Serantes. 'Suspensión', de Circo Nueveuno, presenta a cinco cinco hombres, cada uno distinto y todos iguales, que se cuidan, se empujan y celebran juntos, que muestran su intimidad y se cuestionan, puede que sin saberlo, su masculinidad. Malabares y música dan forma a esta pieza que mezcla circo y teatro social.

Y de nuevo el domingo, en el Teatro Barakaldo, nos encontramos con algo que es danza y es otra cosa. Pensado para un público familiar, y con dos sesiones, llega 'Una ciudad de sombras', de Com un llum y LaSala Teatre-Centre de Creació para las familias. Se trata de un taller-espectáculo, con la colaboración creativa del coreógrafo y bailarín Hèctor Puigdomènech, que reúne danza urbana, cultura contemporánea, manipulación de objetos y experimentación de la física del color y la luz. Para dejar a los pequeños con la boca abierta y con ganas de volver al teatro, donde se puede experimentar, sin duda.

El trabajo de este autor discurre entre la abstracción visceral y las referencias literarias.

No son buenos tiempos para artistas autodidactas al menos en lugares pequeños, institucionalizados, donde las prácticas están estrictamente reguladas, becadas, sujetas a un calendario y un jurado que dicta la vida y la muerte del talento. Las personas y los espacios se sujetan habitualmente a la norma, a la regulación académica y el peso curricular. Aquí, probablemente, Banksy y Basquiat se las verían con el poder y sus grafitis no sobrevivirían en una pared de Bilbao la Vieja, esa galería al aire libre. Carmelo Camacho constituye una feliz excepción. Espacio Marzana ofrece la última exposición de este autor manchego radicado en el País Vasco, capaz de desarrollar un proyecto creativo ajeno a esos códigos.

El trabajo de este autor resulta paradójico. Su abstracción parece visceral, un ejercicio de libertad carente de presupuestos y bocetos, cuando, en realidad, ese trabajo se antoja un crisol de referencias literarias y alusiones a la historia del arte, que parecen reverberar en sus manchas de color. Hay mucho por descubrir. El espectador que acuda a la galería encontrará un trabajo donde tienen cabida voces tan distintas como la existencialista de Joseph Roth, la informalista de Antonio Saura y, quizás, la desgarrada del ubicuo Jean Michel Basquiat.

La muestra recoge obra sobre la pared y escultura objetual, pero Camacho habla siempre de la pintura, de su facultad para expresarnos y redimirnos. Sugerimos un intento por adentrarnos en esa emoción, esa pasión que conduce todo su quehacer y que llena el cuadro de fuerza, color. No intentemos comprender, tan sólo compartir.

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