La japonesa del campo de internamiento de EEUU llegará al Guggenheim en 2026

El año se iniciará con una retrospectiva de Ruth Asawa, y continuará con Jasper Johns, Dan Flavin, Steve McQueen e Igshaan Adams

Isabel Ibáñez

Sábado, 1 de febrero 2025, 00:24 | Actualizado 10:45h.

Cuando estalló la Segunda Guerra Mundial, el Gobierno de Estados Unidos consideró a los inmigrantes japoneses personas de las que había que desconfiar, y tomó la decisión de internarlos en campos de concentración. La joven Ruth Asawa (Norwalk, California, 1926-2013) y su familia pasaron 18 meses encerrados en un centro de Arkansas, experiencia que la marcaría de por vida e influiría en su obra artística. En ella destacan sus alambicadas esculturas de alambre, que podrán ser admiradas junto a otros ejemplos de su creatividad en una gran retrospectiva que le dedicará el Guggenheim entre el 20 de marzo y el 13 de septiembre de 2026. Otra muestra del arte de origen japonés tras los éxitos de estos dos últimos años con Yoshitomo Nara y Yayoi Kusama.

Explica la historiadora del arte Sara Torres Sifón en un artículo dedicado a Asawa que, durante su reclusión, se relacionó con artistas de ascendencia japonesa que habían trabajado para la factoría Disney y que se dedicaban a dar clase a los prisioneros. Así descubrió su mano para el arte: «A veces nacen cosas buenas de la adversidad. No sería quien soy si no hubiera sido por el internamiento, y me gusta quien soy».

No debió ser fácil tener rasgos nipones en EE UU en los años 40. En una ocasión, cuenta que iba con su hermana a México en autobús y al llegar a Missouri bajaron para usar el baño: «No sabíamos si debíamos ir al de negros o al de blancos. Decidimos usar el baño para negros porque éramos 'negros'. Lo recordamos como una experiencia de discriminación racial».

Dos años después de salir de su encierro, se puso a estudiar porque deseaba dedicarse a dar clases de arte, pero le fue imposible graduarse porque no le permitían hacer prácticas en instituciones públicas debido a su ascendencia japonesa. «Me dijeron que, como los recuerdos de la guerra aún estaban frescos, podría ser difícil para mí trabajar en una escuela pública. Mi vida podría incluso estar en peligro. Esto fue un regalo de Dios, porque me animó a perseguir mi interés por el arte, y posteriormente me inscribí (en 1946) en el Black Mountain College en Carolina del Norte». Allí se instruyó con profesores como Joseph Albers, Willem de Kooning, Walter Gropius o Robert Motherwell, entre muchos otros.

Fue en México donde aprendió a tejer con alambre, técnica que usó luego para dar forma a sus famosas esculturas flotantes. Se instaló en San Francisco, y empezó a dar cuerpo tridimensional a sus dibujos con el metálico material, inspirándose en la naturaleza. En un principio sufrió el rechazo de la crítica, tanto por su aspecto como por ser mujer; decían que sus esculturas eran perfectas para decorar el salón de casa. Pero poco a poco empezó a ser conocida como la 'dama fuente', por las que le encargaron las autoridades para colocar en las calles.

Centenares de máscaras

Además de sus esculturas de alambre, desde mediados de la década de 1960 hasta 2000 se dedicó a crear cientos de máscaras de arcilla, muchas hechas gracias a la colaboración de uno de sus hijos, Paul Lanier, al que con seis años acostaba sobre un colchón con la cara untada de vaselina para colocarle el yeso. También recurría a otras personas. «Cuando hago un molde de rostro, sé que solo estoy capturando un minuto de una persona. O si hago un molde de pie de un bebé, sé que el pie de ese bebé crecerá y crecerá y crecerá. Sé que desaparecerá, pero me gusta ese momento».

Muy distinta es la vida de Jasper Johns (Georgia, EEUU, 1930), que estuvo en Japón destinado para luchar en la Guerra de Corea. A su regreso, sus cuadros dedicados a la bandera estadounidense le hicieron famoso en los años 50. Habrá ejemplos de ellos en la muestra de 150 obras que le dedicará el Guggenheim entre el 29 de mayo y el 12 de octubre del año que viene, cubriendo sus siete décadas de creación. En los 60, Johns fue dotando a su arte de un carácter más intimista y melancólico que dejaba entrever su complejo mundo interior, terminando por convertirse en una figura representativa del arte pop, el minimalismo y el arte conceptual, según informa el museo.

Estará también representada su etapa de los 70 y 80, con imágenes abstractas elaboradas a base de entramados y referencias a artistas de todas las épocas, entre ellas su serie de las cuatro estaciones. Ypor último, su etapa más actual, en la que se engloba su colección 'Catenary'.

Conciencia social

Entre el 8 de mayo y el 15 de noviembre llegará la exposición de Igshaan Adams, nacido en 1982 en un suburbio de Ciudad del Cabo, circunstancia que generó en él una conciencia social plasmada en sus tapices, esculturas, instalaciones y performances de base textil, para las que utiliza cuentas, alambre, linóleo, hilo de algodón y telas. Todo le sirve para reflexionar sobre cuestiones de raza, religión y sexualidad. Sus obras están repletas de referencias culturales y de su propia experiencia vital. Aborda las necesidades y movimientos de las comunidades segregadas, como un recuerdo del 'apartheid'.

El sudaficano Igshaan Adams con una de sus obras.

Ya acabando el año, llegarán las muestras de Steve McQueen, en octubre, y Dan Flavin, en noviembre. McQueen (Londres, 1969), cineasta, fotógrafo y escultor británico, se ha centrado en utilizar imágenes en movimiento para reflexionar sobre temas universales y complejas biografías. Muchas de sus obras se centran en momentos sociales e históricos y exhibe una conciencia política potente. En cuanto a Dan Flavin (EE UU 1933-1996), el Guggenheim expondrá varios ejemplos de su arte, concebido a partir del uso de la luz, concretamente de lámparas fluorescentes que convierte en objetos estéticos.