El arte sin miedo de los locos veinte

'Los locos años veinte', la nueva exposición del Guggenheim, fueron locos de muchas maneras. Salvo la económica y la política, que apenas aparecen como tales, todas las demás están desarrolladas a través de 300 objetos, escénicamente dispuestos por Calixto Bieito, director del Teatro Arriaga.

El escenógrafo juega con el color de las paredes de las salas -el negro del trauma de la posguerra y el rojo sexual del cabaret- y con las sorpresas en cada una de ellas. Un perfume evoca el olor de aquellos tiempos en su vertiente sofisticada, el sonido del charlestón envuelve al visitante, un reservado despliega imágenes eróticas y un escenario anima a tocar y cantar. Toda una invitación a la vida intensa, también a las frases rotundas -«el arte tiene que disgustar», del periodista y agitador Karl Kraus- que aparecen en un mural con tipografías propias de la década.

El recorrido tiene un trazado temático y, en él, las obras de entonces dialogan con las de artistas contemporáneos como Thomas Rüff, el más recurrente. En el primer espacio se sale del trauma con ganas de pasarlo bien. «Nunca hubo una época tan ávida de espectáculo como la nuestra (…) Este fanatismo, esta necesidad de distracción a cualquier precio, son la reacción necesaria contra esta vida que llevamos, dura y llena de privaciones», escribió Fernand Léger, que abre la exposición con sus pinturas y una de sus películas, una relación entre las imágenes fijas y en movimiento que se repite en buena parte de la salas.

En la cita de Léger se adivina el paralelismo entre aquellos veinte y estos del siglo XXI, que el Guggenheim establece con las debidas precauciones. Entonces la mujer aspiraba a conquistar derechos y a su reconocimiento, como ahora. También la foto y el cine de vanguardia -hoy el vídeo- ampliaron su terreno artístico. Cada uno de estos temas tiene su sala correspondiente. La revolución de la moda, el empuje de la arquitectura y el diseño, las nuevas percepciones sobre el cuerpo a través de la danza y sobre la legitimidad del deseo, encarnada en la sensualidad abierta de la bailarina Josephine Baker, ordenan el trayecto temático en sucesivas paradas.

Comisariada por Cathérine Hug de la Kunsthaus de Zúrich y Petra Joos del Guggenheim, y patrocinada por BBK, la exposición refleja «una década de progreso, de afán de vivir y de innovar», según el director general del museo, Juan Ignacio Vidarte. La muestra se centra en el ambiente cultural y artístico de Berlín, París, Viena y Zúrich, puntos de confluencia de artistas y diseñadores de toda Europa, que ya habían perdido el miedo y se lanzaban al vértigo de la vida urbana, según señaló Hug.

La estética cambió y aquellos diseños de sillas -como la 'Wassily' de Marcel Breuer, que se incluye en el recorrido- permanecen tras haber sido recuperados y masificados en los años cincuenta. Las formas de producir en cadena elevaron el nivel de vida y se dieron los primeros pasos hacia el consumo o consumismo tal y como hoy se conocen. Las mujeres tuvieron que trabajar en las fábricas mientras los hombres se mataban en el frente. Supieron lo que suponía llevar a casa el sueldo y reclamaron derechos como el voto.

Por la exposición desfilan los artistas como George Grosz y Otto Dix, que siempre pinchan al espectador con sus imágenes; escultores como Brancusi; fotógrafos como Man Ray y Moholy-Nagy; arquitectos como Le Corbusier, grandes nombres que se juntan con otros menos conocidos pero no menos interesantes. Darles el espacio que se merecen es una de las muchas virtudes de esta exposición compleja, llena de sorpresas, exigente y divertida.